Корзина пуста
Ваша корзина

{{item.name}} {{beautyNumber(item.price)}} Rub

{{item.author}}, {{item.year}}

{{item.group}}

Всего:
{{beautyNumber(cartItemsSum)}} Rub
О галерее
Облако-рай

Персональная выставка Сергея Табунова

Куратор: Ирина Шульженко

9 июля в галерее Тираж 1/1 откроется персональная выставка Сергея Табунова «Облако-рай». В экспозицию, состоящую из двух частей войдет несколько серий работ, созданных Табуновым в течение 5 лет. Первая часть экспозиции представляет собой условное пространство города: в нее вошли снимки, сделанные фотографом в период проживания в Японии и на протяжение многочисленных путешествий по миру: Нью-Йорк, Токио, Осака и др. Стрит-стайл фотография и городские пейзажи, портреты случайных прохожих и близких друзей — за каждой из работ скрывается своя история о знаковых моментах биографии автора. Вторая часть — пространство неба и невесомых ландшафтов. Снимки облаков, морской глади и далекой линии горизонта навевают мысли о сверх-реальности, скрытой от обыденного взгляда. 

Также в экспозицию также вошли работы, сделанные фотографом во время работы над съемками фильмов «Мешок без дна» Рустама Хамдамова и «Про любовь» Анны Меликян (в частности, спонтанная постановочная фотография Джона Малковича, принимавшего участие в съемках фильма). 

Сергей Табунов родился в 1980 году в семье военных г. Городня. Окончил филологический факультет отделение журналистики в Педагогическом университете г. Комсомольска-на-Амуре. С 2003 года жил в Японии (Осака и Токио), выставлялся в японских художественных галереях. Вернувшись в Россию, основал проект Otokomae, продвигающий искусство востока. Живет и работает в Москве. 

9 July - 5 August 2021
Выставка "Объекты внимания"

Персональная выставка Андрея Волкова

По традиции, экспозиция объединяет в себе современное искусство и объекты коллекционного дизайна. Среди представленных авторов — Питер Лейн, Элина Туктамишева и Елена Хрящева.

Когда сталкиваешься с необходимостью говорить о беспредметной живописи, возникает ощущение захлопывающейся ловушки. Наступает момент, когда оказываешься в точке, в которой традиционный понятийный аппарат перестаёт действовать. Живопись всегда ускользает от стройного теоретического описания. Она начинает работать за рамками привычного восприятия, в каком-то смысле лишая нас утилитарного и удобного мироощущения. Она открывается через восприятие, а не мышление. Картина не требует объяснений сама по себе — объяснений содержания; любая попытка добавления смыслов извне вводит в заблуждение, дезориентирует. То, чем автор действительно может содействовать, это попытаться прояснить суть используемых им понятий и методов. Так возникла метафорическая идея этой выставки — картин как «объектов внимания».

Экспозиция делится на две части (воображаемая комната и монохром), каждая из которых по-своему раскрывает феномен «объектности» живописи.

Монохромное искусство дает зрителю возможность направить своё сознание на объект и сосредоточиться на собственных чувствах. Нет никакой нейтральной поверхности. Даже чистый холст уже загружен возможностями, идеями, ожидающими своего воплощения. Монохромная поверхность лишь облегчает задачу концентрации внимания. Еще один из ключевых инструментов, который она даёт — изменение способа видения: от привычного, подчинённого логосу, находящегося в поиске «значений» — к чистому восприятию. Важно зрение как таковое, зрение до мышления, зрение, которое уже является актом мышления.

«Воображаемая комната» — это метафора идеального места (топоса), организованного самими картинами: их материальностью, цветом, пропорциями и масштабом. Придуманный до пандемии, сегодня проект получил дополнительные, не предусмотренные изначально возможности взаимодействия с наблюдателем. Прожитое состояние вынужденной изоляции, пребывания в собственной «комнате», — как физической, так и ментальной, предсказуемо сближает и обостряет внутреннюю оптику художника и зрителя.

Структурообразующими элементами для живописи Андрея Волкова являются цвет, свет, структура, материал. Немаловажна также её способность маркировать и сохранять несколько параллельных временных линий: собственно произведения (время создания и последующего бытия как завершенного объекта), автора и зрителя. Выбор синего цвета обусловлен устойчивыми ассоциациями с состоянием покоя, сосредоточенности, медитации, а также его открытостью к интерпретации.

Пигмент отражает только определённую длину волны; отсекая оставшийся спектр, он даёт цвет. Важной задачей для Андрея Волкова является сохранить свет, живущий в цвете. Для этого художник включает в пространство картины чистый свет — при помощи почти зеркальной поверхности, под определённым углом «прячущей» цвет за неожиданным бликом, блуждающим отражением. Как известно, в традиционной школе линия определяет границы цвета, обозначая форму, что является ограничением, несвободой для живописи Волкова. В его работах цвет сам определяет собственные границы, «выдавливая» линию между взаимодействующими массами. И, наконец, материал играет ключевую роль в становлении пространства чистого созерцания. Краска — не «строительный материал» для картины, это субстанция, обладающая собственным содержанием и жизнью. Взгляд должен коснуться краски. В этом «психофизическом» взаимодействии живопись обретает смысл; только так она становится индивидуальным событием. Любое репродуцирование - имитация, пересказ.

Среди представленных на выставке дизайнеров — Питер Лейн, Элина Туктамишева и Елена Хрящева. Работа Питера Лейна, американского художника, керамиста и дизайнера-экспериментатора, впервые будут представлены в России. Комод Chahan был вдохновлен сотрудничеством с известным дизайнером, коллекционером и владельцем одноименной галереи Шаханом Минассяном. Питер Лейн вышел за пределы керамического искусства. Он расширил область её применения до масштабных настенных панно, предметов интерьера и автономных арт-объектов, тем самым объединив современное искусство, дизайн и архитектуру.

Мебель Элины Туктамишевой своей эстетикой отсылает к традиционному русскому стилю, в основе её дизайнерских поисков — не слепое следование канонам, а собственное переосмысление локальных традиций через попытку чувственно уловить его культурный код и передать его в современных формах. Комод «Колодозеро» выполнен в сложнейшей технике инкрустации и маркетри с использованием шпона экзотических пород и настоящего морского перламутра. Символический орнамент был специально разработан Сергеем Малютиным. Комод «Лемех» отсылает к образу Русского Севера и имитирует деревянную «черепицу», которой покрывали кровли и купола церквей того региона. «Чешуйки» выполнены из осины, состаренной и тонированной так, чтобы в точности походить по колориту на северные постройки. Объекты, представленные на выставке, произведены компанией Mrs Ruby, основанной в 2016 году Валентиной Андреевой.

Работы российского дизайнера Елены Хрящевой (архитектурная студия ELENIUM) посвящены поиску баланса между формой и функцией, монохромным и цветным, функциональным предметом и произведением искусства. Коллекция мебели ECLIPSE (‘Затмение’) родилась от вдохновения уникальностью одноименного природного явления. Это коллекция, облекающая неземную энергию в лаконичность форм и практичность использования. Лунное или солнечное затмение, которое символизирует оранжевый круг, — главный объединяющий и яркий акцент письменного стола и банкетки, они привлекают взгляд графичностью линий и беспроигрышным контрастом цвета, сохраняя при этом функциональность предметов.

10 September - 17 October 2020
Антикварный Салон 2019

Галерея "Тираж 1/1" на 45-м Антикварном Салоне 

Галерея современного искусства и коллекционного дизайна «Тираж 1/1» примет участие в 45-м Российском Антикварном Салоне, который в этом году пройдет на новой площадке — в Гостином дворе на Ильинке с 27 ноября по 1 декабря. Изменится не только место проведения ярмарки, но и ее формат. В составе Салона впервые появится раздел Art&Design, отражающий мировой тренд к сближению искусства и дизайна.

Галерея «Тираж 1/1» представит на своем стенде экспозицию, которая объединит современный коллекционный дизайн и редкие объекты эпохи mid-century, получившие сегодня статус «антиквариата 21-го века».  Композиционным центром станут новые работы мэтра отечественного искусства Юрия Купера, к творчеству которого сегодня особое внимание: в следующем году художник отметит 80-летие. Экспозиция галереи наглядно продемонстрирует, как сочетается живопись и коллекционные объекты разных эпох, складываясь в единый неповторимый интерьер.  

Важное место в экспозиции займет французский модернизм 1960-х: редкие вещи авторства Пьера Жаннере и Шарлотты Перриан, чья грандиозная ретроспектива сейчас проходит в Fondation Louis Vuitton в Париже. Французский модернизм — «горячая» тема, которой не первый год увлечены передовые коллекционеры и модные декораторы. Предметы, спроектированные Шарлоттой Перриан, Пьером Жаннере, Жаном Руайером в середине прошлого века обрели сегодня статус культовых, превратившись в объекты коллекционирования и топовые лоты аукционных торгов. На стенде «Тираж 1/1» будет представлен книжный стеллаж Пьера Жаннере из легендарного Чандигарха  —  новой столицы штата Пенджаб, выстроенной по генеральному плану Ле Корбюзье, а также комод Шарлотты Перриан для мавританского  Кансадо  —  не менее амбициозного проекта 1960-х по возведению регулярного города посреди песков Сахары. Геометрическую простоту этих предметов подчеркнут знаменитые кресла Clam 1944 года датского дизайнера Филипа Арктандера с их органической формой, навеянной северной природой (отсюда и название Clam – «моллюск»), и мягкой меховой обивкой.

Современный коллекционный дизайн в экспозиции представят работы голландского дизайнера Валентина Лёлльманна и грузинской студии Rooms — молодых, но уже хорошо известных на европейской арт-сцене авторов, которых галерея «Тираж 1/1» впервые в этом году показала московской публике. Сотрудничество с Валентином Лёлльманном, создателем единичных, виртуозно исполненных вручную предметов, продолжает ключевую для галереи тему — фокус на редкие объекты и вещи-уникаты, не подлежащие тиражу.

27 November 2019 – 1 December 2019
Арт-ярмарка Cosmoscow 2019

Дебют галереи "Тираж 1/1" на арт-ярмарке Cosmoscow

Галерея «Тираж 1/1» (Tirage Unique), открывшаяся в феврале 2019 года, впервые приняла участие в арт-ярмарке Cosmoscow. На стенде галереи коллекционный дизайн и современное искусство составили единую экспозицию, в которой новая серия работ Юрия Купера и графика пакистанского художника Вакаса Хана предстала наряду с лучшими образцами модернистского дизайна: мебелью Пьера Жаннере и Шарлотты Перриан. 

Особое место в экспозиции заняли артистичные работы голландского дизайнера Валентина Лёлльманна: молодого, но уже известного автора галерея «Тираж 1/1" представила московской публике впервые. Валентин Лёлльманн (Valentin Loellmann), р. 1983 — одно из самых ярких имен в современном коллекционном дизайне. Создает единичные вещи для галерей и частных коллекционеров, основатель Studio Valentin Loellmann. Участник ярмарок Art Basel, FOG Design+Art San Francisco, Collective Design New York, PAD Paris/Geneva/London, дважды удостоен премии PAD London в номинации Best Piece of Contemporary Design в 2013 и 2017 году. Участвовал в экспозиции Private Choice в рамках парижской FIAC в 2014 и 2016 году. В числе клиентов — антиквар Патрик Перрен и дизайнер Индия Мадави.

6 September 2019 – 8 September 2019
Выставка "Профессионалки"

Куратор: Нина Гомиашвили
 

Фотографии, снятые Уильямом Голдманом в интерьерах роскошных борделей города Ридинг, штат Пенсильвания, в 1890-х годах, при жизни автора никогда не выставлялись. И так бы и канули в лету, если бы не стечение обстоятельств:  в 2007 году куратор Музея Изобразительных Искусств Сан-Франциско  (FineArtsMuseumofSanFrancisco, FAMSF)  Роберт Флинн Джонсон,  посещая ярмарку, обратил внимание на серию откровенных работ девушек из борделей Ридинга. В течение десяти лет куратор собирал коллекцию этой серии, и сегодня она насчитывает около двухсот оригинальных фотографий. Итогом кропотливой работы стал книга, а за ней и внушительный выставочный календарь коллекции.

Выставка “Профессионалки” в галерее Тираж 1/1 представит 15 оригинальных снимков из этой серии. Девушки конца ХIX века вступают в диалог с сегодняшним днем, с сегодняшним представлением о красоте, эротике, женской нежности и жесткости, невинности и цинизме.

В выставке примут участие также  шестьсовременных авторов - Алишер Кушаков с полотнами,  на которых ломаные пастельные линии невинности пересекаются с глазами автора, бесстыдно глядящим вам в душу; последний проект Ирины Полин (1971-2015) “препарирует” сексуальные отношения со всей прямотой желания и соответствующего действия; работы Марго Овчаренко - выхваченные моменты девичьей неловкости, на которые неудобно смотреть, но глаз оторвать невозможно; Иван Разумов с своим видением современных “профессионалок” от сварщиц до таксисток, как гимн феминизму и Дмитрий Шабалин и его маски, под которыми прячется целый калейдоскоп женских хитросплетений. В своих работах, через состояние полного блаженства и единения с всевышними силами Натали До обнажает личное мироощущение.                                                                                                                                                                                    

 

О фотографе Уильяме Голдмане (William Goldman): 

Голдман родился вблизи Рединга, штат Пенсильвания. В 1876 году он стал обучаться фотографии у различных фотографов в Рединге, и его обучение длилось более 15 лет, пока он не открыл свой собственный бизнес, которым он занимался вплоть до своей смерти в 1922 году. Он работал хранителем коллекции Ассоциации Фотографов Средне-Атлантических Штатов, и был так же членом масонской и североамериканской парамасонской лож. В 1922 году на его надгробии была надпись: “Билли Голдман, каким его запомнят друзья, был одним из наиболее популярных и любимых людей, которых мы когда-либо встречали,и его утрату будут переживать многие. Если коротко: Голдман буквально был “столпом общества”. 

Однако в одном человеке уживалось две индивидуальности. Первый - Уильям Голдман, выдающийся фотограф, снимающий почетных граждан и их события: свадьбы, социальные мероприятия. Второй - Билли Голдман, человек своей  эпохи , который (как мы знаем сейчас) использовал свой фотоаппарат тайно, чтобы запечатлеть женственную красоту представительниц древнейшей профессии. Подобные фотографии были табу для общества той эпохи и могли подорвать репутацию Голдмана. Сделанные в своих приватных интересах, эти фотографии были секретом для всех на протяжении последних 120 лет… 

(изкнигиРобертаФлиннаДжонсона“Working girls” (An American Brothel, Circa 1892: The Secret Photographs of William Goldman). GliterattiEditions, 2018. pp. 35-37.) 

Дальнейшая судьба “секретных” работ Голдмана была неизвестна вплоть до начала 2000-х, когда американский искусствовед Роберт Флинн Джонсон случайно приобрел их на ярмарке винтажной бумаги и фотографий в Конкорде, Калиф. Он был настолько поражен изображениями девушек, напоминающих своей хрупкостью и женственностью балерин Эдгара Дега, что сразу же сообщил о находке владелице  галереи Serge Sorokko Gallery  и крупнейшему коллекционеру hautecoutureТатьяне  Сорокко:  “Роберт - талантливейший автор и куратор и наш большой друг. Как только он рассказал мне о Голдмане и показал эти фотографии женщин, мы сразу поняли, что он нашел нечто уникальное”. В дальнейшем Татьяна приобрела в коллекцию большую часть архива фотографий Голдмана. Исследования работ и жизни Голдмана легли также  в основу книги Джонсона “Workinggirls”.  В 2018 галерея Serge Sorokko Gallery в Сан-Франциско впервые представила вниманию зрителя 25 фотографий Голдмана, 20 из которых ранее нигде не выставлялись. 
 

Irina Polin 

 

Родилась в Москве в 1971 году, окончила Московское Академическое Художественное Училище (МАХУ) и SchoolOfArtandDesign(HFG) в Люцерне, Швейцария, была членом Союза фотографов России и членом VisualArtsAssociation, Швейцария. ОбладательнаградыSwiss Photo Award, EWZ Selection, Zurich, Switzerland иPhotography Prize 2006, Bern, Switzerland

 

“Одни всю жизнь меланхолично сочиняют романтичные сказки. Другие строят дворцы и устраивают роскошные пиры для маленьких цариц. Ирина Полин весьма органична и в той и в другой категории демиургов. Она живет со своими сказками постоянно, без расписания, как дети, которые носят кукол с собой, укладывают спать, потом вдруг стригут их налысо или отрывают ногу. Полин возводит игру в ранг художественного приема, выстраивая инсталляции из всего, что можно и нельзя. В ход идут коллекционные предметы интерьера, живые цветы, конфеты, астральные тела, потом композиция доводится до блеска и абсурда, а после фиксируется так, чтобы изображение оказалось ближе к живописи, чем к документации. Получается фотореализм наоборот, рецепт которого Полин не раскрывает. Жанр ее произведений можно было бы назвать и натюрмортом, но в них слишком активно проступает жизнь: все компоненты взаимодействуют и, в зависимости от настроения, устраивают феерический праздник или лирическое погребение. К тому, что вытворяет Ира Полин идеально подходят эпитеты на букву "и" – изысканные, исключительные, изощренные, изумительные, ирреальные.

Работы Полин полны движения, но статичны, эмоциональны, но обходятся без живых людей, прелестны, но жестоки. Они связывают художницу, последние двадцать лет живущую в Европе, тонкими линиями со сказочной иллюстрацией Виктора Пивоварова и выдумками Ильи Кабакова, мифотворчеством Павла Пепперштейна и цифровым футуризмом AES+F. Так швейцарская гражданка Ирина Полин получает пожизненную прописку в одном из районов московского концептуализма”.                                                                                                                                                                                    Марина Федоровская

 

Натали До / Natali Do  

 

Родилась  в 1986 году в Кургане. Художник и фотограф,  работала в киноиндустрии, сфере моды , коммерческой фотографии и видеографии. В 2009 после окончания  Института Современного Искусства в Москве, увлеклась фотографией. В 2011 состоялась ее первая персональная выставка “Justine Marquis de Sade” в Москве. В это же время начинает сотрудничать с различными fashion-изданиями, такими как “Numero”, “Vogue”, “Contributor” и т.д. В течение последних трех лет путешествовала по Азии, в рамках работы над новым проектом “Naked Nature”, посвященном фотографиям природы и теме ее бесконечной силы, любви и попытке вновь установить связь между человеком и природой. “Upendo” (”Любовь”)  - ее проект, вдохновивший ее на создание работ, наполненных  любовью и энергией. 

 

Алишер Кушаков

 

Алишер Кушаков родился в городе Джизак, республика Узбекистан, в 1988 году. Окончил Саратовское художественное училище им. А.П. Боголюбова. В 2010 переехал в Москву, поступил в Британское Высшую Школу Дизайна (БВШД) на курс «Визуальные коммуникации». Работал в дизайн-студиях и рекламных агентствах. В 2014 принял решение уйти из рекламы, чтобы стать художником-живописцем.  Участвовал в ряде групповых и персональных выставок, среди которых выставка «Открытие» в Москве, 2015, Центральная студия художественно-проектного творчества; «Недостаточно близко», Электрозавод, 2016, «Отражение содержания», Международный государственный университет, 2016, «Наедине с женщиной», Невский 8, Санкт-Петербург, 2017, «-30», галерея Надежды Винниченко, Москва.
“Я не могу сказать ничего о самой картине, об образе, который там присутствует. Чем-то он мне близок, но я боюсь наврать о нем или даже ограничить своим мнением моего зрителя. Однако, я могу рассказать вам о том, что между нами происходило. Писать картину для меня это как начало отношений. Если очень кратко, то там есть влюбленность, старание, предвкушение, занятие любовью, все это наполнено спонтанностью, беспорядком, неосторожностями, сильными переживаниями и после них всегда есть ощущение незавершенности, недосказанности. Это словно проигрывание чего-то бывшего или не сбывшегося, в любом случае, в большей степени воображаемого чем реального, хотя что есть реально.” Алишер Кушаков 

 

Марго Овчаренко

 

Родилась в 1989 году, в Краснодаре. Живет и работает в Москве. Марго Овчаренко - художница, создающая визуальные высказывания на стыке портретной и концептуальной фотографии. Героини Марго – это чаще всего молодые девушки, живущие в России и странах бывшего СССР. Основной фокус ее творчества это роль и положение женщины в постсоветском пространстве, сексуальности и сексапильности, наряду с исследованием телесности, квир идентичности, а также гендера в качестве перформанса. Ее проекты сосредоточены на многогранности эмоциональной интеракции, проявление силы через женственность и чувственность. Закончила Московскую Школу Фотографии и Мультимедиа им. Родченко, курс Ирины Меглинской в 2011. В 2015, при поддержки фонда Fulbrightполучила магистерский

диплом в области фотографии в HunterCollege, NewYork. Выступила с персональными выставками в рамках 8-го Международного Месяца Фотографии в Москве «Фотобиеннале»(2010), 7-го Московского Международного фестиваля: «Мода и Стиль в Фотографии» (2011), участвовала в крупном групповом фотопроекте Re:Generationв Лозанне (Швейцария), была представлена на Viennaartfair, NofoundphotofairParisи Международной фотоярмарке Carrousel du Louvre.С 2010 по 2011 год была в художественной резиденции FabricatheBenettongroupcommunicationresearchcenter, Тревизо, Италия. Фотографии представлены в галерее Russiantearoomв Париже, галерее Pop/Off/Art в Москве, а также некоторые снимки доступны в ApertureFoundation, NewYork. В своей новой работе Марго Овчаренко описывает переживание женщиной мужского взгляда, мужской фантазии. Глядя на эти работы зритель то и дело оказывается перед выбором в чьей позиции он находится: позиции перверта, свидетеля развернувшейся драмы, любовника или же самой женщины. Для Овчаренко важность обозначения границы между мужским и женским взглядом лежит и в попытке найти место изображению женщины в контексте само-объективации в современной культуре и медиа, и вместе с этим в самом эмпирическом опыте существования. Фотографии выдержаны в строгой гамме, которая включает в себя лишь основные цвета, подчеркивая и то, что Марго ищет среди своих героинь определенный архетип, находящийся на границе популярной конвенциональной красоты. Книга также передразнивает форму дешевого глянцевого журнала, и в жесте “поворота” узнается универсальная отсылка порно-журналов второй половины 20 века.

 

Иван Разумов

 

Иван Разумов родился в 1972 г. в Москве. Вырос в семье, связанной с искусством: дедушка ― известный советский художник-график Фёдор Константинов, дядя ― художник-постановщик Владимир Лыков. Разумов обучался на театрально-декорационных факультетах: в 1987-1991 – в Художественном училище памяти 1905 года, с 1991 – в Художественном институте имени В.И. Сурикова. Начинал как график, формировался под влиянием классической советской школы графики 1930-х гг.. В 1997 г. начал заниматься печатной иллюстрацией к периодическими изданиям и книгам (произведения М. Басё, В.В. Маяковского, А.С. Пушкина, В.А. Шендеровича и др.). Приёмы графики и книжной иллюстрации перенёс в живопись ― отсюда специфическое построение композиции, сюрреалистичное смещение масштабов, яркий колорит. В 1995-2002 гг. входил в петербургские художественные круги, сотрудничал с Тимуром Новиковым, Сергеем Бугаевым-Африкой, Владиславом Мамышевым-Монро, создавал обложки и иллюстрировал статьи для психоаналитического журнала «Кабинет» Виктора Мазина. В 2000-е гг., вернувшись в Москву, создал несколько графических проектов совместно с Павлом Пепперштейном.

Основными лейтмотивами творчества являются столкновение, конфликт и эротизация образов советской, новой-российской и западноевропейской культур (пионеры, Ленин, Маркс, Кремль и др.). В основе сюжетов – аллюзии на кинематографические и литературные эпизоды, психоаналитические теории, политические и социальные события, мифы популярной культуры. Художественный мир Разумова гротескный, саркастический и в то же время ностальгирующий и немного печальный. Работы в собрании Центра Помпиду в Париже, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

 

Дмитрий Шабалин


25 лет, художник и редактор моды. Выпускник  МГУ им. М.В. Ломоносова ИПСИ. В течение пяти лет работал редактором отдела моды в журналах Numero и Interview, сотрудничал с британскими Dazed и Anothermagazine. С 2013 года делал неошаманские маски в стиле ресайкл. Выставлялся в ММСИ, музее АРТ4, Парижском большом дворце изящных искусств в рамках международной биеннале декоративно-прикладного искусства Revelations(2017 г.). В 2018 году состоялась персональная выставка масок «Частицы» в теплицах ботанического сада МГУ «Аптекарский огород». В разное время маски были представлены в галереях Парижа (RussianTeaRoom Gallery), Берлина (BernheimerContemporaryGalleryи PS120 Gallery), московских галереях Siberia, PAGallery, а также в музее Эрарта в Санкт-Петербурге. Маски находятся в частных коллекциях в России, США, Грузии, Монако и Бельгии. Живет  и работает  в Москве. 

О проекте MASKS: 

“Маски посвящены женственности в чистом виде. Профессионалки - это богини из другого времени и другого пространства. Одна - воинственная, Афина. Вторая - женственная, Афродита. Третья (в процессе создания)Артемида. В работах использованы знаковые для меня предметы: часы моей мамы, колпачки от духов, «лики» идеалов женственности поп-культуры: фигурки принцесс Диснея, образ героини сказки “Машенька”, изображение Лизы Симпсон… 

Каждая из них  - “профессионалка” в своем культурном поле. Я собираю образы словно пазлы и из них создаю божеств новой женственности, используя при этом примитивные и антифемистические коды: столовые ложки, формы для выпечки и т.д.”                                                                                                                                                                                        Дмитрий Шабалин

 

Нина Гомиашвили, куратор: 

Окончила школу дизайна Парсонс (Нью-Йорк).

Куратор фестивальных фотопроектов для Unseen Photo Fair (Амстердам), Volta 6 (Базель), Volta NY (Нью-Йорк), Paris Photo Fair (Париж). Куратор экспериментальной лаборатории Magnum Live Lab /19 международного фотоагенства Magnum Photos (2019, парк «Зарядье», Москва).

Нина Гомиашвили была главным куратором выставок: «Профессионалки» (2019, галерея «Тираж1/1»), «Мяч круглый, поле ровное. Хроники российского футбола 1897–2018» (2018, ВДНХ, павильон «Карелия», Москва), «Главные кадры. ТАСС открывает фотоархивы» (2017, ЦВЗ «Манеж», Москва; 2018, Ельцин-центр, Екатеринбург), персональная выставка Ноэ Сендаса (2017, галерея RuArts, Москва), выставка «Прыжок» Филиппа Халсмана (2017, Еврейский музей и центр толерантности, Москва), «New York’s Photo League» (2016, Еврейский музей и центр толерантности, Москва), «Ретроспектива» Майкла Кенна (2011, Московский музей современного искусства, Москва), «Merce my Way» Михаила Барышникова (2009, Строгановский музей, Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург). С 2005 по 2015 год Нина руководила и выступала куратором проектов галереи «Победа». Член закупочной комиссии произведений искусства при Департаменте культуры города Москвы.  Живет и работает в Москве.

 

24 May 2019 - 26 July 2019
Выставка Гризайль

Куратор: Софья Симакова

Гармония — некий однородный свет, ощущаемый постепенно сквозь конструкцию. Этот свет за пределами наших чувств. Когда он заторможен нашими ограниченными органами чувств, его ощущают, не понимая его.

Владимир Вейсберг

Выставка «Гризайль» объединила объекты современного искусства и коллекционного дизайна разных эпох, стилей и направлений. Термин «гризайль» (фр. grisaille от gris — серый) обозначает вид живописи, выполненной тоновыми градациями одного цвета — чаще всего серого. Тончайшие переходы оттенков позволяют мастерам гризайля превосходно передавать объем через светотеневую моделировку, или кьяроскуро.

Французский художник Ив Кляйн описывает монохромное искусство как «превосходство чистого чувствования». В восприятии одноцветность не требует постоянного переключения между различными хроматическими регистрами. Это позволяет сосредоточить внимание на одной мысли или одном чувстве, что вызывает объект, и в полной мере раскрыть свойства его вещественности. Каждая работа, представленная на выставке, по-своему раскрывает природу монохромии, по аналогии с тем, как по-разному она понималась со времен своего появления и до наших дней. Несмотря на это, все их объединяет созерцательность, медитативность, они предполагают особый тип эстетического восприятия, предполагающий концентрацию на мельчайших деталях и свойствах материала.

Одна из центральных работ — минималистичный триптих пакистанского художника Вакаса Хана "Момент времени II". Вдохновляясь суфийским мистицизмом, медитативными практиками и персидской миниатюрой, он вручную создает монохромные композиции, напоминающие сложные системы-сети, с одной стороны, хаотичные, с другой, предельно простые: множество черточек и точек, форма и размер которых просчитаны с почти математической точностью, превращаются в законченную абстрактную композицию. «Я хочу, чтобы человек, глядя на мои работы, погружался в особое безмолвное состояние. И хорошо, если это состояние зритель сможет запомнить», — рассуждает Вакас Хан. Художник создает свои рисунки, находясь в состоянии полутранса. Каждая отметка на листе бумаги соответствует его вдоху, и каждый рисунок становится своеобразной стенограммой дыхания.

Монументальная работа Юрия Купера, центральная в большом зале, как и рисунок Вакаса Хана, также погружает зрителя в медитативное настроение, но делает это, используя средства живописной фактуры. По замыслу художника, взгляд зрителя должен входить в контакт с поверхностью картины и какое-то время по ней попутешествовать. Для Купера картина представляет собой плоскость, глядя на которую можно медитировать, как, например, смотреть на огонь в камине или на плывущее облако.

Скульптура швейцарско-французского художника Джулиана Шарьера «Наблюдать значит влиять» представляет собой карбонированную доску из тика с лазерной гравировкой. Ученик Олафура Элиассона, Шарьер также исследует природные явления и использует научный подход в соединении с художественным. Едва заметно выженный на поверхности дерева растительный узор иллюстрирует одну из ключевых тем, с которыми работает художник — взаимовлияние людей и окружающей среды.

Большая часть работ английского фотографа Сьюзан Дерджес вращается вокруг создания визуальных метафор, исследующих отношения между собственным внутренним миром и природой. стремится охватить как видимые, так и невидимые научные и природные процессы. Дерджес известна своим экспериментальным методом создания фотографий без традиционной камеры с использовнием разных техник, включая фотограмму. Камера всегда отделяет объект от зрителя, Дерджес же интересует более интимный контакт с миром.

Терракотовая скульптура Александра Нея "In dreams" вдохновлена древними культурами и отсылает к восточной философии.Немалое влияние на художника оказало творчество Николая Рериха и китайский мистицизм. “Точки, круги и квадраты, которыми я покрываю поверхности своих скульптур, были для древних китайцев мистическими фигурами. Квадрат — это четыре стороны света: вы встаете посередине и смотрите, куда двигаться и как жить. Точки — это как будто язык“, - говорит художник.

Две абстрактных композиции Виталия Пушницкого родились из особого отношения художника к физическим свойствам вещей, живопись у него сопоставляется с органическим изменением материи. Пушницкий создает символическое пространство, монохромность и руинированность которого отражает субъективное переживание времени. Представленные в экспозиции работы воссоздают поверхность замерзшей Невы.

Живописец, график и скульптор Игорь Шелковский, две скульптуры которого представлены в экспозиции, собирает из линейных структур вариативные композиции, сближаясь с экспериментами русского авангарда. По словам историка искусства Евгения Барабанова, скульптура Игоря Шелковского сохраняет главные признаки классической скульптуры «правдивость безупречной линии, гармонию форм в их архитектурном равновесии, безукоризненную слаженность, эллиптическую обобщенность».

Знаменитые кресла французского архитектора и дизайнера Пьера Жаннере были созданы в рамках урбанистического проекта Ле Корбюзье в индийском Чандигархе. Вся мебель была разработана совместно с индийскими ремесленниками, с активным использованием местного сырья: тикового дерева, хлопка и кожи. Редкое присутствие цвета на выставке можно отметить в интегрированной в комод мозаике Беатрис Серр и плоской вазе Карен Свами «Constellations III». Оба объекта объединяет присутствие эталонного сочетания золота и синего цвета, заменяющее черный и белый в византийской традиции иконописи, где по иронии никогда не использовался серый цвет.

Стул и стол дизайнерского дуэта из Тбилиси ROOMS изготовлены вручную, из дерева столетней давности. Реверанс в сторону грузинской этнической мебели, вдохновленный алхимией и мистицизмом. 

Неоднородность представленной экспозиции даёт широкие возможности для зрительского восприятия и пространство для интерпретации. В ней нет нагромождения ненужных смыслов и искусственно сконструированных связей. Взгляд свободно скользит по пространству, не цепляясь ни за что кроме гармоничных сочетаний оттенков, поверхностей и материалов.

21 February 2019 – 15 May 2019